ANDREAS BRANDT

Né en 1935 à Halle an der Salle, Allemagne et décédé en Allemagne en 2016.

Andreas Brandt était l’un des représentants les plus ascétiques de l’art concret allemand, reconnu pour son utilisation cohérente de lignes droites et de bandes de largeur égale sur des fonds monochromes. Après des études de biologie à l’Université de Halle en 1954, il déménagea à Berlin-Ouest où il acheva ses études à l’Académie des Beaux-Arts de Berlin en 1961. En 1970, il offrit une conférence en tant qu'intervenant invité à la HfbK Berlin. Membre du Deutscher Künstlerbund, il participa à leurs expositions annuelles à huit reprises entre 1966 et 1980. Andreas Brandt mena ensuite une carrière de peintre indépendant et fut professeur de design textile à l’École supérieure des Beaux-Arts de Hambourg de 1982 à 2001. Dans son évolution artistique, Andreas Brandt a tenu compte de l’exigence énoncée par Gottfried Benn : « Si vous enlevez les adjectifs, ce que vous voulez dire deviendra alors plus clair. » Ce que le poète très apprécié par Brandt avait reconnu comme une nécessité de sa génération expressionniste, à savoir « l’omission des adjectifs qualitatifs prenant beaucoup de place », est peut-être encore plus vrai pour une pensée constructive picturale. Car lorsque le tableau ne se réfère pas à une figuration connue et n’a pas de contenu narratif, le produit artistique est le contenu des informations, et son observation, avec le but de la plus grande perceptibilité, ne devrait pas être brouillée par une interprétation de la signification. Ce constat est valable pour les œuvres d’Andreas Brandt.

Inspiré par les peintres modernistes américains tels que Barnett Newman et Ad Reinhardt, Brandt a développé dès le début de sa carrière un langage pictural unique, mettant en avant les éléments essentiels à l’organisation de l’espace de l’image. Il a expérimenté l’agencement systématique de bandes d’intenses couleurs, noires ou grises, sur un fond blanc, et ce, en alternant entre formats paysage et portrait. À la fin des années 1960, Brandt délaisse la représentation de la réalité extérieure pour développer une imagerie conceptuelle très personnelle, dotée d’une structure systématique harmonieux et précis, et de gammes de couleurs réduites. D’abord, il travaillait exclusivement avec des bandes verticales en format paysage, avant d’inclure des lignes horizontales et des formats portrait. Son oeuvre se distingue non seulement par ses bandes aux proportions savamment structurées et son subtil jeu de couleurs, mais également par une poétique tranquille et un sentiment d’espace évoquant une vaste étendue. Pour Brandt, travailler sur une toile est donc un processus exigeant concentration, sublimation des émotions et une certaine légèreté méditative.

En se restreignant à des lignes droites et des bandes de largeur identique sur des arrière-plans monochromes, Brandt était considéré comme l’un des peintres concrets les plus radicaux. Il s’est intéressé à l’équilibre des surfaces et au rapport des couleurs, créant une spatialité inattendue et des éléments qui semblent vibrer pour de nombreux observateurs. En se déplaçant devant une oeuvre, l'impression des couleurs se modifie, comme un son qui se propage dans l’espace. Ainsi, la structure semble être mise en mouvement visuellement. Malgré son cadre, la surface du travail de Brandt s’ouvre par une succession d’harmonies, de rythmes et de mouvements. Il a utilisé des moyens picturaux pour combiner des méthodes de composition rationnelles avec rythme et sonorité, parfois créant l'impression d’écouter une étude de Bach. Son objectif principal était de créer « l’image comme l'image avec les moyens de l’image », comme il l’expliqua en 1970 dans une publication de la Galerie Diogenes à Berlin. En regardant une oeuvre de Brandt, on cherche en tâtonnant le devenir de l’intérieur à l’extérieur et de l’extérieur à l’intérieur, alors qu’il n’y a plus ni extérieur ni intérieur. En regardant, on essaye de comprendre ce qui est quand même réel mais non disponible.